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Palco e plateia da Ópera Garnier de Paris
Pompa neobarroca: Ópera Gariner de Paris foi inaugurada em 1875Foto: Günter Gräfenhain/ImageBroker/picture alliance
MúsicaGlobal

Alguém precisa de ópera em pleno século 21?

Kristina Reymann-Schneider | Augusto Valente
25 de outubro de 2022

Como um gênero teatral-musical inaugurado há 400 anos pode ainda ter relevância? A ópera nasceu nas cortes nobres, foi adotada pela burguesia e se reinventou através do tempo e espaço. Uma mostra em Bonn traz a prova.

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A Alemanha é o país com o maior número de casas de ópera em todo o mundo: 83. Entre as mais ilustres está a Casa do Festival de Bayreuth, fundada por Richard Wagner (1813-1883). Desde a temporada de 1876, apenas composições do genial artista polivalente são lá executadas, no contexto de um evento anual que atrai hordas de celebridades.

No entanto esse gênero teatral-musical, em si, é uma invenção italiana: na corte dos Médici, em Florença, por volta do ano 1600, foram apresentadas as primeiras óperas, para entreter os ricos e poderosos da capital toscana e também expressar sua magnificência.

Uma das principais inovações musicais do gênero foi a adoção do recitativo, que aproximava o canto dos ritmos e acentos da linguagem falada. Jacopo Peri e Giulio Caccini foram os compositores das primeiras óperas, sobre texto das peças teatrais em verso La Dafne e L'Euridice, de Ottavio Rinuccini. Em 1607 estreava em Mântua L'Orfeo, de Claudio Monteverdi, um marco da história da ópera e a mais antiga em repertório até hoje.

A nova forma de arte logo encontrou ressonância junto ao público. Para a nobreza europeia, ela se prestava com perfeição para ostentar sua riqueza, poder e superioridade, em espetáculos que chegavam a durar cinco horas. Nos séculos 17 e 18, os melhores compositores, cantores e cenógrafos afluíram para a corte vienense. O imperador Carlos 6º (1685-1740), da dinastia dos Habsburgos, chegou a assumir a função de maestro.

A partir da década de 1630, as abastadas famílias patrícias de Veneza fundaram as primeiras casas de ópera. Sua meta era menos ostentação e luxo do que fazer dinheiro; assim, para maximizar os lucros, as récitas foram abreviadas e o coro e a orquestra, reduzidos.

Entre os maiores custos estavam os cachês de astros como o castrato Farinelli e os espetaculares cenários, resultando em grandes shows que atraíam multidões: os espertos patrícios venezianos haviam encontrado uma fonte de enriquecimento.

Cena de
Obra de arte total no espírito wagneriano: "Crepúsculo dos Deuses" em Bayreuth, 2022Foto: Enrico Nawrath

Mais uma morte anunciada da ópera

"A intenção era empolgar e maravilhar os espectadores", confirma a historiadora de arte Katharina Chrubasik. Juntamente com o dramaturgo Alexander Meier-Dörzenbach, ela é curadora da exposição Die Oper ist tot – Es lebe die Oper (A ópera está morta – Viva a ópera), que pode ser visitada no salão Bundeskunsthalle de Bonn até 5 de fevereiro de 2023.

Até 2019, 3,8 milhões frequentavam anualmente a ópera na Alemanha, um número que se mantivera estável por muitos anos. Mas aí eclodiu a pandemia de covid-19, e as casas fecharam as portas. Um golpe de morte para o teatro musical erudito?

"A ópera teve sua morte anunciada repetidas vezes e, mesmo assim, reinventou-se sempre, redefiniu-se após todas as crises, fossem guerras ou reviravoltas sociais", tranquiliza Chrubasik.

Na opinião da diretora geral do Bundeskunsthalle, Eva Kraus, a ópera apela a todos os sentidos como nenhum outro gênero, amalgamando música, canto, poesia, artes plásticas, teatro e dança numa espetacular obra de arte total. Para ela, trata-se de "uma das formas artísiticas mais inebriantes que existem".

O curador Alexander Meier-Dörzenbach resume as qualidades operísticas numa fórmula dramática: "A intenção da ópera é sacudir a alma humana." Embora tudo o que o público vê seja uma ilusão, ela o afeta, e "esse efeito é real e verdadeiro".

O compositor e regente Gustav Mahler também visava esse efeito inigualável sobre o público, ao assumir a partir de 1897 a direção da recém-fundada Ópera da Corte de Viena. Além de reger cantores, coro e orquestra, ele assumiu a direção de cena e introduziu uma inovação que se mantém até hoje: passou-se a apagar as luzes da plateia e fechar as portas da sala após o início da récita. Todos deviam se concentrar inteiramente nos eventos no palco, encenados e compostos até o último detalhe.

Teatro La Fenice, de Veneza
Teatro La Fenice, de VenezaFoto: Annette Reuther/picture alliance/dpa

Do Scala de Milão ao Metropolitan de Nova York

No decorrer de sua história, a ópera oscilou entre diversas concepções e ambições, explorada como símbolo de status, erguida como empresa econômica e cultuada como reduto da arte de alto nível.

No século 19, o Teatro Scala de Milão era o endereço nobre entre as casas de ópera. Seu diretor, Domenico Barbaja, ex-garçom e jogador de cartas, integrou um cassino à instituição e tinha uma boa relação com os compositores Gioachino Rossini (1792-1868), Vincenzo Bellini (1801-1835) e Gaetano Donizetti (1797-1848), encomendando-lhes diversas obras.

A editora milanesa Ricordi detinha os direitos de execução e cuidava da distribuição mundial. Mais adiante, a casa será local de estreia de alguns dos maiores evergreens do repertório, promovendo compositores do calibre de Giuseppe Verdi (1813-1901) e Giacomo Puccini (1858-1924). Sob a batuta de Arturo Toscanini, a partir de 1898 o Scala atingirá um nível musical sem precedentes.

Enquanto isso, na América, no fim do século 19, 22 novos-ricos de Nova York – entre os quais as famílias Rockefeller, Vanderbilt e Roosevelt, esnobadas pela aristocracia estabelecida local – fundaram sua própria Metropolitan Opera ("Met", para os íntimos), que de início apresentava todas as obras em italiano, independente da língua original. O mais tardar 40 anos depois, ela estava em pé de igualdade com a Staatsoper de Viena e o Scala de Milão.

Bailarinos do Teatro Bolshoi na Metropolitan Opera
Bailarinos do Teatro Bolshoi na Metropolitan OperaFoto: Paul Hawthorne/Getty Images

Ópera ainda viva e excitante, 400 anos depois

Até – ou principalmente – hoje em dia, o teatro musical erudito sofre uma reputação de esnobismo. "É claro que a ópera sempre foi muito elitista: afinal ela é uma forma da corte, se desenvolveu nessa época", reconhece Katharina Chrubasik. "Mas no século 19 ela é também um gênero artístico da burguesia, a qual criou novos, fantásticos locais de apresentação, e assumiu o papel que antes tinha a nobreza."

Acima de tudo, está mais do que na hora de essa reputação mudar. A curadora espera que a mostra em Bonn contribua para tal e deixe os visitantes com vontade de frequentarem o teatro. Em princípio, a ópera é como o cinema, afirma, um lugar onde se contam histórias, de batanhas com dragões, de heróis e traidores, de intrigas e conspirações, de amor realizado e inatingível, de paixão e abismos humanos, de vida e da inevitável morte.

"A ópera é surreal, faz confluir coisas que não existem. Os filmes são, por assim dizer, uma continuação dela", e talvez o elitismo só esteja nas nossas cabeças. Por isso, todos devem dar uma chance a essa forma de arte: "A ópera é capaz de nos entusiasmar, desencadear sentimentos como nenhum outro gênero" – e assim estaria respondida a pergunta sobre se a ópera ainda tem lugar nos tempos atuais, frisa Katharina Chrubasik.

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